“New Origins-Level Unlocked”, la collettiva proposta da Andrea Festa Fine Art Gallery di Roma, puntualizza, nel lavoro dei singoli artisti, un atteggiamento primario alla visione e ai confini liminali della visione. Il dialogo tra la curatrice Benedetta Monti e alcuni degli autori che hanno preso parte a questo progetto ne chiarifica il senso e le motivazioni.
B.M.: L’arte ha spesso visto l’uso dell’ironia e della derisione come mezzo per decostruire la realtà. Come pensi che l’ironia trovi posto nell’arte di oggi e come si interseca questo tema nel tuo lavoro?
Minyoung Kim: L’ironia nel mio lavoro è uno dei fattori più importanti. Le scene ironiche che creano risate insieme a sentimenti come eccentricità e paura sono un riflesso del mio stato interiore. Voglio creare una situazione contraddittoria, in cui la situazione nell’opera sia seria e non, incarnando l’incontro tra elementi disparati, come la combinazione di dolore e ridicolo, estraneità e familiarità. Nel mio lavoro i gatti si esprimono soprattutto come elemento rappresentativo di ironia. La miscela dei momenti di pericolo e umorismo nelle immagini che uso nei miei dipinti può essere vista come una miscela di eterogeneità, una dissonanza di caratteristiche grottesche.
B.M.: Folklore, fiabe e tradizione orale hanno creato dèi e dee, miti e leggende, e influenzato il linguaggio artistico di molti artisti. Come si inserisce questo discorso nella tua pratica e nell’arte contemporanea in generale?
Ralf Kokke: Storie antiche come Adamo ed Eva, ma anche storie contemporanee come quella di Peter Pan, hanno avuto un grande impatto sul modo in cui vedo il mondo. Queste storie parlano del bene e del male e della possibilità di commettere errori. La storia di Peter Pan mi fa pensare alla crescita e al lasciarsi alle spalle i giorni spensierati dell’infanzia. È una lotta universale: tutti vogliamo mantenere la nostra giovinezza, ma alla fine dobbiamo affrontare la realtà del diventare adulti. Uso queste storie nel mio lavoro per comprendere la mia vita e le mie esperienze. Il mio lavoro esplora la tensione tra il desiderio di libertà e il bisogno di crescere e affrontare il mondo.
B.M.: Il tema della casa ti è caro nel tuo lavoro, e ci sono elementi che guardano all’immaginario collettivo dei bambini e dei cartoni animati. Puoi spiegarcene il motivo?
Vanessa Morata: Il consumismo contemporaneo non si alimenta solo di cose materiali, ma anche di immagini. La mia generazione è in bilico tra l’analogico e il digitale. Avevamo cassette, CD, VHS, avevamo i primi cellulari e i primi computer con Internet. La televisione è stata una presenza fondamentale nelle nostre case. Siamo cresciuti con Disney, Doraemon, Olly e Benji, Looney Tunes… Queste serie e questi film costituiscono un immaginario collettivo che fa parte della cultura visiva contemporanea: una cultura che condividiamo e con la quale ci identifichiamo. Uso la casa come memoria dell’individuo ovvero la nostalgia di voler possedere parte della nostra infanzia attraverso questi cartoni animati, come oggetti da collezione, insieme al desiderio di acquisto di empowerment. I prodotti di consumo convivono con l’immaginario collettivo dei bambini uniti nello stesso luogo.
B.M.: Nel tuo lavoro i personaggi sono spesso presi dal mondo dei videogiochi e vengono umanizzati, fino a diventare una visione scomoda, andando verso il détournement visivo. Come risolvi ciò nel tuo processo creativo?
Jesse Morsberger: Con Internet, è più facile che mai trovare il materiale di partenza per i dipinti, proiettare su una tela e fare una copia perfetta di qualcosa. Con i miei quadri, sto combattendo contro questo. Anche se nel mio lavoro utilizzo personaggi famosi dei videogiochi, ciò che sto realizzando non dipende dall’aspetto o dal comportamento di quei personaggi. Sto dipingendo il ricordo di queste cose e portando loro un po’ di umanità. Dipingendo questi mondi digitali, sto cercando di restituire loro la sensazione di pura gioia e di scoperta che ho provato quando ho giocato per la prima volta ai giochi da cui provengono.
B.M.: Nel tuo lavoro la figura umana è un denominatore comune. Quali sono le tue influenze stilistiche e in che modo le influenze mediterranee giocano un ruolo nel tuo lavoro?
Chris Akordalitis: Dopo un lungo periodo di esplorazione ricordo un commento del mio professore: “Ai tuoi dipinti puoi dire che provieni da una terra con molta luce”. Da quel momento ho voluto portare molta di quella luce nel mio lavoro. Elementi di casa che in realtà sono parti di me. Colori accesi, fiori e frutti, il mare e le conchiglie. Elementi che simboleggiano e rimandano a una sensazione di calore, al ricordo di un odore o di un sapore. Mi piace giocare con la natura mediterranea, trasformandola a volte in un’atmosfera diurna esotica con cieli blu o una notte stellata di un’estate frizzante. In ogni lavoro voglio abbracciare il corpo umano mentre cerco di raccontare una storia. Nudi ed esposti, vulnerabili e senza nulla da nascondere, i miei personaggi mostrano le loro emozioni e le loro intenzioni.
B.M.: Nei tuoi lavori è presente il sapore di uno sguardo ancora innamorato delle tue radici tra il sud di Londra e il sud-est asiatico. In che modo le tue comunità di riferimento hanno influenzato il tuo processo creativo? Possiamo dire di intravedere una relazione tra materialità e diaspora?
Alya Hatta: Le comunità intorno a me hanno sempre influenzato il mio processo creativo, così come hanno influenzato la formazione della mia identità. C’è un’ispirazione costante nel cercare di creare connessioni tra Oriente e Occidente. Miro a guardare da vicino, raccogliendo trame, storie, colori, vita vegetale e materiali dal mercato e tutto ciò che colma il divario tra dove sono ora, dove sono stato e dove andrò. La narrazione e la materialità sono i mezzi che scelgo per esprimere la diaspora, in molti modi. Uno di questi è l’integrazione dei miei vestiti all’interno delle opere. Gli abiti che indosso sono l’armatura che mi ha portato in innumerevoli luoghi, esperienze ed emozioni e sono anche la rappresentazione fisica di un’identità.
B.M.: Si possono vedere molti collegamenti visivi metafisici e surreali nel tuo lavoro, cosa ci puoi dire del tuo processo e del tuo stile?
Taichi Nakamura: Mi piace pescare e sono interessato all’ambiente naturale, anche dal punto di vista buddista. Mi interessano tutti i cicli che si ripetono. Quando ero bambino, i fiumi erano sporchi e gli effetti negativi della crescita economica del Giappone erano spesso visibili nel paesaggio. Ora ci sono questioni ambientali più complesse. I fiumi sono più puliti di prima. Voglio sentire i cambiamenti in modo più sottile. Disegno storie al confine tra sogno e realtà. Il viaggio della vita è raccontato nella vita e nella morte ripetute. Le mie storie sono spesso ambientate nel deserto. Anche la terra in cui sono cresciuto è alla periferia di una grande città. Era una vita al confine tra la città e la campagna. Mi piace quel tipo di scenario, ed è naturalmente radicato nel mio corpus di opere. Quindi anche la mia nuova storia sarà disegnata nelle mie terre preferite.
Benedetta Monti
Info:
AA.VV., New Origins-Level Unlocked
A cura di Benedetta Monti
10/02/2023 – 25/03/2023
Andrea Festa Fine Art Gallery
Lungotevere degli Altoviti, 1 – Roma
is a contemporary art magazine since 1980
NO COMMENT